Spies In Disguise (Svensk Version) Recension

All images courtesy and copyright of 20th Century Fox 2020

Summering: Hopplöst menlös pekoral som gjorts outhärdlig i och med sin svenska dubbning.  

Då man skriver recensioner med relativt hög frekvens, så försöker man att hålla formen och innehållet någorlunda varierat. Det finns alltid en risk att recensioner förvandlas till långa och malande listor där man endast går igenom diverse attribut, och avgör om de kan ses som lyckades eller inte. Men en gammal och trist käpphäst; om hur frustrerande och destruktiv en dubbning kan vara, måste, tyvärr, dras fram ännu en gång då Spies In Disguise diskuteras. Även om Sverige har lyxen att få flertalet animerade filmer i originalversion, så är dessa i kraftigt minoritet då vi ser till vilka versioner som distribueras över hela landet. Den klassiska trion av Stockholm, Göteborg och Malmö, förblir platserna där man – med lite tur, kan få se Tom Hanks gestalta Woody från Toy Story, istället för Jan Mybrand. 

Eftersom den lokaliserade versionen, de facto, är den mest förekommande på svenska biografer, så är det delvis förståeligt att pressvisningarna, uteslutande, presenterar den dubbade utgåvan. Men det råder inget tvivel om att uppgiften att bedöma, görs tusen gånger svårare då man sänker ned en slöja av obekväma översättningar och haltande skämt som aldrig var menade att fungera – eller ens användas, utanför det engelska språket. 

Inte mycket att titta på 

Då det gäller Pixar, eller Disney Animation Studios, så kan man åtminstone häpna över den fantastiska animationen och den makalösa tekniken som filmskaparna har till hands. Frost 2 och Toy Story 4 är två exempel där de visuella egenskaperna fortfarande har potens nog att få oss att glömma att vi fått Salem El Fakir som snögubben Olof, och inte Josh Gad. 

Blue Sky Studios spelar inte ens andra fiol i diskussionen om att vara en potentiell konkurrent till Pixar. Illumination har med sina gapiga Minions, gjort ett marginellt avtryck inom popkulturen, men i jämförelse med karaktärer som Elsa, eller ens sportbilen Lightning McQueen, så står sig det mesta platt. Blue Skys allra populäraste filmserie – Ice Age, har, precis som våra egna glaciärer, smält bort och marginaliserats för varje år som gått. Studion är inte heller nära att uppnå samma tekniska briljans som konkurrenterna. Estetiken och animationen i Spies In Disguise är kraftigt daterad och i det närmsta menlös. Framförallt då vi för någon månad sedan fick återse det idylliska landskapet runtom staden Arendelle. Karaktärsdesignen är i sina bästa stunder en plattare och billigare version av Pixars Superhjältarna, ordet lojt summerar för övrigt det mesta som har med Spies In Disguise att göra. 

En dubbning som driver änglar till vasinne 

Eftersom vi inte har mycket att titta på, så utelämnas vi till en dubbning som kan få änglar att mista sitt tålamod. Spies In Disguise har ett manuskript som är överfullt av moraliska pekpinnar som är lika trevliga som att bege sig in i en överväxt skog, bestående av endast brännässlor. Många gånger är det så pass påträngande att det känns som att filmskaparna tror att detta är första dagen på dagis, och inte en obekymrat underhållande familjefilm. Med exempel som Insidan ut och Coraline, så finns det inga som helst anledningar att göra barn- och familjefilmer, till rena söndagsskolor. Och då den svenska dubbningen möter denna osannolikt tradiga patetik, så känns det som att biosalongens väggar börja rämna. 

Än värre blir det då vi har vetskapen om vad vi går miste om i den engelska versionen, med aktörer som Will Smith, Tom Holland och Karen Gillan, för att nämna ett par. Det är som att vara mitt inne i en medioker Big Mac och plötsligt få veta att restaurangen intill är en Michelin-krog som just satt ned sina priser till en krona per rätt.       

Menlös pastisch 

Filmens ton och karaktär är minst lika splittrad och förbryllande. James Bond parodin – och pastischen, har blivit minst lika ikonisk som den filmserien om världens mest kända spion. Spies In Disguise gör absolut ingenting för att röra runt i den tråkiga och bekanta gryta. Det är också aningen bisarrt hur filmen – många gånger, verkar vara mer intresserad av att emulera Marvel Studios filmer som Captain America The Winter Soldier – och Civil War, kontra en klassisk Bond-film. 

Med allt detta sammantaget så återstår en ytterst ointressant film som i sitt lokaliserade skick är i det närmaste omöjlig att se utan att grimasera utav pinsamhet. Att ett av filmens många – tafatta, skämt går ut på att lägga ett ägg, känns dock olustigt passande.  

Betyg 4/10 

1917 Recension

All images courtesy and copyright of Nordisk Film 2020

Summering: Kompromisslös och oupphörligt intensiv upplevelse som briljerar på alla tänkbara plan. 

Första världskriget har den senaste tiden blivit mer förekommande i populärkulturen. Svenska DICE lät sitt Battlefield 1 utspela sig under tidsperioden, likaså Patty Jenkins Wonder Woman och nu senast så gjorde Peter Jackson tekniskt trolleri med sin dokumentär They Shall Not Grow Old. Där det andra världskriget figurerar konstant i media, så har det första inte fått samma chanser att dramatiseras i samma frekvens. 

Inte för att det fanns någon brist på varken dramatik eller skräckinjagande berättelser från ödelandskapen, de brutala slagen, eller de miljontals livs som offrades. 

Sam Mendes är udda på så sätt att hans bakgrund som teaterregissör, inte alltid verkar lämpa sig för renodlad dramatik på film. Den teatrala och något övertydliga regin från teaterscenen blir ofta ett hinder för Mendes då han ger sig i kast med familjekonflikter och verbalt våldsamma sammandrabbningar i American Beauty och Revolutionary Road. Men när Mendes gör action, eller krigsfilmer, så förvandlas han till en mästare som exemplifierar sig med fantastiskt berättande, otroliga bilder och en osannolik förmåga att bygga upp spänning. Road To Perdition, Jarhead och – såklart, Skyfall, är de filmer som bäst exemplifierar Mendes som en regissör världsklass.

1917 blir ytterligare ett exempel på Mendes oerhörda förmåga att blanda action, spänning och trovärdig dramatik. I en tid då vår moderna krigsföring sker från kontroll – och mötesrum, så är det lätt att glömma bort att det först världskriget representerar slutet på ’’traditionell’’ krigsföring; då tusentals mannar ställdes mot varandra, och där man inte bombade civilbefolkningen. Därför är det paradoxalt att vi fått så relativt få berättelser om kampen i lervällingen som var skyttegravarna på västfronten den mänskliga faktorn i att behöva spendera evigheter i en skyttegrav, omgiven av fiender, död och smuts, borde ha attraherat mer uppmärksamhet under årens gång. 

Och det är just soldaten som står i centrum i 1917, det stora kriget må vara inne på sitt sista år, men striderna och förlusterna är ändå förödande. Istället för att ta sikte på den större – och mer, traditionella bilden, med generalstaber och överblickar över kartor som ringar in slagfältens storlek, så tar Sam Mendes och minskar sitt fokus och låter oss följa två soldater som ombes agera budbärare i en tid då telenät eller mer avancerade kommunikationsmetoder inte fanns till hands under ett fullskaligt krig. Och just ordet fokus blir ledordet för hela filmen. 

Shoot To Thrill 

Spectre må vara ett kapital misslyckande på de flesta plan, men ingen kan ha glömt bort den, tekniskt, geniala ineldningen där vi följer Daniel Craigs James Bond genom folkmassor och över hustak i Mexico City, allt i en enda tagning… Denna tekniska bragd återupprepas i 1917, fast till en helt annan grad. Identiskt med hur Alejandro González Iñárritu iscensatte Birdman, så är 1917 presenterad som en enda flödande scen som sömlöst rör sig utan klipp. Detta kan tyckas vara en gimmick av värsta stort, men genom att iscensätta ett krig med denna metod, så åstadkommer man stordåd i scener – som med en mer konventionell presentation hade varit betydligt mer ointressanta. 

Genom att aldrig klippa ifrån, eller lämna huvudpersonerna, så skapas en vansinnig intensitet som får de flesta skräckfilmer att blekna. Små handlingar – som att gå ur skyttegraven eller bara att runda ett byggnadshörn, blir nu till en monstruös thriller, det finns inte ett ögonblick som inte är fyllt till breddgraden med ångest och skräck. Den ångestfyllda terrorn är konstant, varje sig det handlar om enkel förflyttning, eller den skräckfyllda uppgiften att gå in i det helt okända utan att kavalleriet väntar. 

Gudabenådad fotograf 

Med sig har Mendes den gudabenådade filmfotografen Roger Deakins. Det finns goda skäl till varför Deakins anses som en av industrins allra bästa och mest kompetenta. Mycket av färgpaletten från Skyfall återkommer, med en brandgul ljussättning som skapar osannolikt stämningsfulla silhuetter och skuggor. Man vågar också experimentera med sin färgpalett, som ändrar skepnad och nyans flera gånger om. Stanley Kurbick påstod sig sträva efter att skapa en vacker krigsfilm i Full Metal Jacket, det finns inget som helst vackert i massdöd, blod och våld, Deakins lyckas däremot rama in 1917 i tekniskt skönhet som aldrig värjer sig ifrån att visa makabra bilder över förruttnade lik eller sönderslitna kroppsdelar. Deakins får också de mest avancerade och svåra kameraåkningar att verka som en barnlek, det är en visuellt fulländad upplevelse, som trots utmaningen, med att behålla illusionen av en tagning, får det att framstå så naturligt och obehindrat lätt. 

Utan kompromisser eller nåd 

Men under all denna hantverksmässiga briljans och fantastiska teknologi, så berättar Mendes en otroligt intim och meningsfull berättelse, som berör alltifrån krigets meningslöshet och hur det mest heroiska kan visa sig vara helt obetydligt. Det är djärvt att hela denna helvetiska resa mot slutdestinationen, är befriad ifrån all form av överdriven pompös dramatik, där vi får mängder av brandtal, sentimentala historier och annat överflöd, som endast är till för att vrida om publikens tårkanaler. 

1917 är lika narrativt kompromisslös som sitt visuella genomförande, man är inte rädd för att delegera storstjärnor som Colin Firth och Benedict Cumberbatch till biroller, och låta de betydligt mer oerfarna skådespelarna George MacKay och Dean-Charles Chapman få stå i centrum. Dessa två blir också en skådespelarmässig gestalt för hur hela filmen hanteras, utan skrupler – och nonsens. Skådespelet är direkt, prestigelöst och extremt intensivt.      

Där våldet ofta kan vara en uttrycksform för att visa krigets offer och konsekvenser, så gör Mendes en väldigt tyst scen – mellan soldater, till en minst lika effektivt reflektion över effekten av evighetslånga strider och uppoffringar. I ett par unga soldaters ansikten så fångar man hopplösheten, likgiltigheten och försummade liv, utan att säga ett enda ord. Det krävs ingeting mer än ett par unga trötta anleten för att säga så mycket mer än Hacksaw Ridge eller Clint Eastwoods Iwo Jima-serie någonsin gjorde.

Fullkomligt slutkörd 

Och mot slutet av denna helvetesresa, så är publiken lika utschasad och trött som filmens huvudpersoner, det känns som att man sprungit ett par hinderbanor under speltiden på under 120 minuter.  Det är bara i två sekvenser där denna dramatiska brutalitet ger vika och rör sig åt det överdrivet emotionella. Men att haka upp sig på två sådana mikroskopiska detaljer vore ett tidigt aprilskämt. 1917 är ett överväldigande kraftpaket som lämnar tittaren skakad, hänförd och totalt slutkörd. 

Betyg 9/10 

Bad Boys For Life Recension

All images courtesy and copyright of SF Studios 2020

Summering: Det nya året och årtiondet börjar med fullkomlig travesti till film. Jag ber för mänsklighetens fortsatta överlevnad att detta inte upprepas. 

Greta Thunbergs tal, om hur våra världsledare har misslyckats kapitalt med att stävja oss ifrån en mörk framtid, då klimatförändringar ödelägger vårt samhälle, kan ingen ha undgått. Det är sannerligen ingen ljus framtid vi har att se fram emot om vårt vårdslösa sätt att hantera vår planet inte upphör eller förändras radikalt. 

Men som om detta inte var illa nog som ett incitament att återfå vår självbevarelsedrift, så har Michael Bay monstruösa filmserie Bad Boys fått nytt liv och har i och med det satt hela vårt kulturella arv i gungning. Vi har bara inlett vårt nya år, och årtionde, men redan nu så bävar jag inför vår fortsatta överlevnad om hutlöst skräp som Bad Boys For Life fortfarande tillåts att produceras. 

Michael Bay har inte det bästa av renommé, hans ihåliga och ytliga filmer har blivit ett skolexempel på känslokalla sedelpressar. Bad Boys är essensen av allt som är Michael Bay, högljutt, nedsättande och smaklöst. Det är inte bara filmmediet som besudlas, utan även action genren, det finns så många exempel på fantastiska actionfilmer som utan problem kan respektera sin publik och göra stordåd utan att någonsin kännas själlösa. 

Den här gången har Michael Bay lämnat över stafettpinnen till regissörerna Adil El Arbi och Bilall Fallah, vars CV är långt ifrån imponerande. Då Travis Knight fick ta ansvaret för Transformers spin-offen Bumblebee, så kunde man skymta en potentiell som serien kunde ha haft om Bay inte hade gått fram med sin groteska motorsåg och fascination för Megan Fox och Rosie Huntington-Whiteleys kroppsdelar. 

Vårt framtida samhälle är i fara 

Kanske, kanske, så kunde ett regissörsbyte göra detsamma för Bad Boys ? Omvandla serien till något som påminner om John Wick eller Atomic Blonde, två filmer utan större substans, men som åtminstone är dugliga som tillfällig underhållning. Men efter att ha behövt genomlida två timmar av sexism, pubertalt trams och gräsligt genomförande, så står det klart att det inte finns någon räddning för Bad Boys eller vårt framtida samhälle. 

Att se på Bad Boys For Life är som att behöva återuppleva det värsta livet haft att ge; alla de där missade mötena, försenade tågen och gångerna då man klämt sin fingrar i diverse dörrar. Skillnaden är bara att allt nu ramas in av porrfilms-estetik som inte kan hålla kameran ifrån att visa inoljade och lättklädda damer som orsakar ett Pavlovianskt dräglande från Martin Lawrence och Will Smith karaktärer. Paola Nuñez är bara en av många som hamlar i ett sexistiskt skruvstäd, karaktären blir inte relevant och meningsfull för Lawrence och Smith förrän hon dragit på sig en klänning som är kortare än den svenska sommaren.  

Vikingasjukan 

De här pubertala trams-tendenserna visar att denna Michael Bay-smitta borde klassas som en lika seriös åkomma som den så kallade Vikingasjukan. Och det är inte bara i den pinsamma fascinationen för halvnakna kvinnor som filmen känns som en produkt från medeltiden. Bad Boys har alltid haft en moral som varit lika god som hos en krigsförbrytare, men denna gång försöker man sälja in en sjuklig dubbelmoral utan dess like. Upprepade gånger så försöker filmen övertyga och publiken om värdet i kärnfamiljen och broderlig vänskap, det här är inget annat än ren galenskap i en film som aktivt förespråkar att alla problem löses med övervåld och explosioner. Riktigt polisarbete är inte heller värt namnet,’’dumheter’’ som övervakning, detektivarbete eller DNA, är inte värt ett jota då man kan dra fram ett maskingevär och skjuta först och fråga sen, då alla är perforerade utav kulhål. 

Precis som tidigare så är hela filmen en orgie i vulgärt våld där man vältrar sig i att på morbida vis ta död på så många som möjligt, på så kort tid som möjligt. Jag säger det igen; jag har inga som problem med våldsamma eller rent groteska produktioner, men det måste finnas någon flärd, funktion eller tanke bakom det hela. Detta är ren och skär barnslighet där man gör action genren till en privat lekstuga som man besudlar.

Kan bara skratta hysteriskt 

Och egentligen är det ingen idé att fortsätta, någon berättelse värd namnet, finns inte, karaktärerna har samma djup som ett milliliter mått. I filmens mest banala, fåniga och överdrivna sekvens så brister det, i en uppsjö av explosioner, svordomar och hjärnsubstans så slutar mitt sinne att fungera, den enda reaktionen är ett hysteriskt och smärtsamt skratt som jag inte kan få stopp på, i den stunden dog allt hopp om en bättre framtid….   

Betyg 1/10

Just Mercy Recension

All images courtesy and copyright of SF Studios 2020

Summering: Dugligt rättegångsdrama med tveksam dialog  

’’True Crime’’-vågen sköljer över hela världen. Här i Sverige har vi den ende, och eminente, Leif GW Persson i spetsen, som på ett underhållande och intressant sätt, delger förfärliga berättelser om brott, mord och död. För den som djupdykt och intresserat sig ytterligare för historier om människans värsta sidor, har med största sannolikhet redan uppsökt ett gäng kvalitativa utländska program och podcasts. Och för alla dem som gjort just det så är historien i Just Mercy bekant, trots sin verklighetsbaserade grund, och en, olyckligtvis, återkommande händelse, så dras själva filmen med att kännas ordinär och inte fullt trovärdig till följd av risig dialog. 

Makabert samhälle 

I en tid då den makabra amerikanska fängelseindustrin alltmer belyses i media, och en lika ohygglig statsapparat, som spärrar in människor på löpande band, så borde Just Mercy slå som en rivningskula mot det politiska etablissemanget i USA. Och då man fokuserar på de enorma orättvisor som rådde, och råder, i den amerikanska södern så lyckas man beröra. Den rasism och intolerans som filmens huvudpersoner behöver genomlida, är genuint obehaglig, provokativ och skrämmande. Man visar upp ett samhälle som helt och hållet har släppt taget om alla former av sunda rättsprocesser, och där man anklagar och dömmer efter fördomar och ingrodd rasism. Vi må ha rättshaveriet med Sture Bergwall, men vad vi får se prov på i Just Mercy får nästan vår egna nationella rättsskymf att blekna.

Bra ensemble 

Och då filmen nosar på thrillerspåret så tuffar den på och känns inte alltför demonstrativ och övertydlig i sina tankar kring det amerikanska rättssystemet. De juridiska processerna förstärks av en mycket bra Michael B. Jordan som gör en dämpad och intensiv rolltolkning av advokaten Bryan Stevenson, även Jamie Foxx och Brie Larson gör goda insatser, där den senare av dem lyckas få stillastående pappersarbete att bli mer intressant än det har någon rätt att vara. 

Risig dagssåpa 

Regissören Destin Daniel Cretton har under sin karriär, uteslutande, hållit sig till mycket små och dramatiska filmer, de utforskar gärna intima och snåriga livsöden. Där Cretton visar god kompetens med thriller-inslagen så kan detsamma inte sägas beträffande den mänskliga dimensionen. Dialogen och manusarbetet känns som ett utkast till en riktigt risig dagssåpa. Det vilar något stelt och justerat över varje meningsutbyte, detta gör interaktionen mellan karaktärerna otroligt steril. Dessutom går hela filmen i den mest tårdrypande och sentimentala av stigar. 

Som ett rent samhällsinlägg så är Just Mercy fullt godkänd, men det saknas udd. Samtidigt begås det inga monstruösa fel som gör filmen alltför paralyserad. Sättet man visar upp polisbrutalitet är också värd att lyftas fram. Men överlag så finns det få anledningar att motivera varför detta visas på en biograf, detta i en tid då så många andra, och likvärdiga, produktioner går direkt in på våra Netflix-konton.     

Betyg 6/10 

Bombshell Recension

All images courtesy and copyright of Nordisk Film 2020

Summering: Ett glödhett ämne blir ytligt och trivialiserat i tafatta försök att skapa satir och sarkasm. 

Man skall aldrig döma boken efter omslaget. Men i fallet med Bombshell så är faktumet att regissören Jay Roach står som avsändare, och som tidigare gjort ’’stordåd’’ med Austin Powers och Meet The Fockers, minst sagt alarmerande. Roach ansats, till att klättra ett par steg på karriärs – och prestigestegen, med filmen om den svartlistade manusförfattaren Dalton Trumbo, var en god idé, men var i praktiken en ytterst tråkig, menlös och framförallt tandlös historia på film. Det finns exempel på hur regissörer som tidigare arbetat inom komedi har tagit steget över till mer seriösa och allvarliga projekt – se Adam McKay. 

Även om jag själv har mer än ett antal invändningar gentemot McKays nuvarande filmer som The Big Short och Vice, så karvade McKay i alla fall ut en fåra där han spelade på egna regler. Det är mix av skrik, snabba klipp och tonvis med impulser. Denna hetsiga form har Roach försöka kopiera med Bombshell. Det finns bara ett problem, sarkasm och mörk komik har väldigt lite gemensamt med det aktuella ämne som filmen berör. 

Monster 

Roger Ailes var för ett par år sedan inte ett namn som gemene man kände till. Hans höger-vinklade och kontroversiella nyhetskanal FOX var, och är, däremot lika ökänd som Ailes själv skulle bli. Efter åratal av systematiska sexuella ofredanden, kränkningar och trakasserier, så tvingades Ailes avgå. Många ser Harvey Weinsteins fall som början på #MeToo-rörelsen, men såhär fyra år senare, så spelar sagan om Roger Ailes en minst lika viktig roll i hur snöbollen kom i rullning. 

Efter Ailes bortgång, har massmedia, och även Hollywood, vågat träda fram och ge oss inblickar i mediagiganten FOX och dess grundare. The Loudest Voice, med Russel Crowe i huvudrollen, var först ut med att visa hur den amerikanska extremhögern fick sin största ledsagare i och med FOX. I Bombshell figurerar Ailes, men filmens fokus ligger på de kvinnor inom företaget som utsattes för Ailes osannolika övergrepp. 

I takt med tiden  

Mer tidsenligt och aktuellt kan det således inte bli. Det finns så mycket att säga, så mycket att förmedla, och förhoppningsvis så är detta bara början för filmer och TV-serier som vågar exponera mediabranschens tystnadskultur. Titeln Bombshell borde indikera att det väntar något explosivt, något omskakande och rejält kraftfullt. Men känslan som lämnar en då eftertexterna rullar, är en frustration över filmens mesiga attityd och rent imbecilla naivitet. 

Det är inte alltid lätt att se på filmer som skriker, gormar och gestikulerar kring samhällets orättvisor och fel. För att göra det effektivt, emotionellt drabbande och medryckande, så krävs det kraft och kunskap. Jag har inga som helst problem med konstuttryck som är fyllda till bredden med ilska och pekar med hela handen. Med tanke på vad hundratals kvinnor behövt genomlida under årens gång tillföljd av monster som Ailes, Weinstein och Jeffrey Epstein, så är det inte fel att ryta till så att fönstren skakar. 

Saknar uthållighet och reflektion 

Olyckligtvis så har Jay Roach inte tillräckligt med uthållighet för att täcka hela Bombshell i något flammande raseri. Scener som borde få publiken att gå ned på alla fyra utav illamående, är för tama och saknar avgrundsdjup svärta. Just begreppet djup är nästan helt frånvarande, där man borde ha fokuserat på antingen Gretchen Carlson eller Megyn Kelly, så kastar man sig mellan filmens tre huvudroller och reducerar flera viktiga segment och beslut till trivialiteter. Många gånger så väljer Roach också att förenkla personerna. Både Carlson och Kelly är långt ifrån några helgon, och deras mer suspekta sidor berörs endast ytligt. Även om tystnadskulturen får sig en känga, så bibehåller filmen en märkligt mild attityd mot Kelly, som utan tvekan var högst delaktig i och med hennes beslut att vända blicken ifrån problemen. 

Margot Robbies karaktär, som är en fiktiv konstruktion, är menad som en metafor för alla unga kvinnor som Ailes utnyttjade och manipulerade till att tro att sexuella tjänster skulle ge framgångar inom företaget. Men de avsnitt där Robbie står i centrum känns  grovhuggna och livlösa. Robbie blir bara till ett trubbigt verktyg som är till för att ge publiken en generell inblick i vad Ailes utsatte så många kvinnor för. Mot slutet så väljer Roach att avsluta det hela med ett fullkomligt banalt sagoboks avslut, där det inte finns många, eller några, långtgående psykologiska konsekvenser tillföljd av åratal av förnedring och övergrepp.     

Stark Theron   

Tursamt nog så har filmen en livboj i Charlize Theron. Ännu en gång sminkad till oigenkännlighet, så gör Theron ett, till sättet, otroligt bra porträtt av Megyn Kelly, dennes röst och kroppshållning iscensätts exceptionellt av Theron. Och även om manuset är lika ihåligt som en fågelholk, så har Theron en sådan pondus och kraft i sitt skådespel, att hon lyckas göra karaktären till så mycket mer än manuset faktiskt är. Nicole Kidman och Margot Robbie har det svårare, Kidman är, osannolikt nog, reducerad till nästan ingenting, det mesta av hennes speltid ägnas åt tama möten och samtal. Och Margot Robbie agerar i sin tur ytligt och ger aldrig något riktigt avtryck, de tillfällen då den perfekta ytan brister och känslorna tar över, drabbar överhuvudtaget inte. 

Ingen bombmatta 

Bombshell är snarare en blindgångare kontra en bombmatta. Tiden är inne för att en gång för alla riva ned ridån och avslöja alla dem som, under så lång tid, utnyttjat sin makt och förstört så många liv, Bombshell lyckas inte ens ta sig fram till ridån. 

Betyg 5/10 

The Farewell Recension

All images courtesy and copyright of NonStop Entertainment 2020

Summering: Felprioriteringar och en gapig presentation skär sig mot en många gånger drabbande och intressant film.  

The Farewell kan ha den nuvarande biorepertoarens allra fräckaste slogan – ’’Based On An Actual Lie’’. Vad denna osanning ställer till med, i den traditonella familjedynamiken, och hur främmande ens eget hemland kan vara efter en acklimatisering som immigrant, är två högst intressanta grundstenar att göra film på. Regissören Lulu Wang baserar The Farewell på sina egna erfarenheter kring en häpnadsväckande historia där en cancersjuk farmor, inte informeras om sitt tillstånd av varken läkare eller familj – någonting som filmen och Wang påstår inte vara alltför ovanligt i Kina. 

Det är sannerligen ett dramatiskt dilemma som heter duga, men samtidigt är konceptet – att undanhålla så pass vital hälsoinformation, nästan obegripligt för oss i Väst. Därmed behövs det ett fundament där filmen – empatiskt, kan klargöra varför detta anses vara mer humant än att lägga alla korten på borden. Och i det hänseendet så når Wang aldrig fram till den brytpunkten att publiken får en någotsånär genuin förståelse för varför detta anses vara fördelaktigt. Slitningarna och frustrationen läggs helt hos Awkwafina som spelar Wangs alter ego, och skådespelarmässigt så gör denne ett helt superbt jobb. Awkwafina förmedlar stark integritet, intelligens och scennärvaro, och den plågsamma gången på äggskal – där man till varje pris vill gömma sanningen, sköts galant. 

Svår ensemble 

Övriga ensemblen har det däremot inte lika lätt. Där Awkwafinas karaktär Billi känns välutvecklad och genomtänkt, så blir varenda biroll – minus Shuzhen Zhao i rollen som farmor Nai Nai, till maskindelar som artificiellt för berättelsen fram. Dessutom är ingen person utanför Awkwafinas särskilt intressanta, sympatiska eller trovärdiga. Släkt och nära vänner känns som berättarmässiga stoppklossar, som endast blockerar och försvårar situationen ytterligare för vår huvudperson. Diana Lin, som gestaltar Awkwafinas mor, är så pass stel, känslokall och krass att hon nästan kan kategoriseras som en antagonist, konceptuellt borde detta vara en karaktär som under sin hårda och kompromisslösa yta borde ha ett djup och en anledning till sitt iskalla sätt, men scenerna då man försöker öppna upp någon utav filmens karaktärer hanteras klumpigt och utan finess. 

Immigrant Song 

Istället är det scenerna då släkten är samlad, och bitskt diskuterar kulturskillnader och västerländska kontra österländska prioriteringar, som dröjer sig kvar. Wang har talat om hur hon också ville beröra hur migration och integrationen påverkar ens identitet. Och dessa väldigt svåra frågeställningar presenteras med en oväntad skärpa, vilket inte gäller då man ger sig på att öppna den emotionella tryckkokaren. Spänningen mellan aktörerna ökar avsevärt då kulturerna ställs mot varandra och sättet som Billi blir till en bro mellan de geografiska – och nationella klyftorna, är utan tvekan filmens bästa moment. 

Men de här analyserna får mer än ofta ge plats åt plottriga sekvenser där man försöker hitta en artificiell sentimentalitet som inte alls passar filmens lågmälda och tysta karaktär. För att vara en film om hemlighetsmakeri så är The Farewell oväntat högljudd och gapig, där absolut tystnad och stillsamhet hade varit mer passande, så har Lulu Wang kastat in ett skrikande soundtrack där stråkarna skär som sågklingor i spånskivor. Dessutom så använder man ett multum av stökiga festmontage som helt och hållet bryter mot den gråa och djupa ångest som resten av filmen ramas in utav. 

Begravd under felaktiga kreativa beslut 

Den här personlighetsklyvningen gör det svårt att engagera sig fullt ut. Men mellan de gapiga montagen och det onödiga soundtracket, så finns det scener som berör. Kemin mellan Awkwafina och Shuzhen Zhao är tex förträfflig. Utan tillkrånglad dramaturgi eller bisarr musik, så man skymta en förträfflig film som försvunnit i en rad av olyckliga och onödiga kreativa beslut.                    

Betyg 6/10